Konzept: Simone Dede Ayivi
Video: Jones Seitz
Bühnenbild: Theresa Reiwer
Sound, Musik: Katharina Pelosi
Licht: Frieder Miller
Produktionsassistenz, dramaturgische Mitarbeit: Selma Böhmelmann
Ausstattungsassistenz: Chris Erlbeck
Kamera Außenaufnahmen: Thomas Machholz
Expert*innen: Nabila Bushra, Fatma Kar, Lenssa Mohammed, Dan Thy Nguyen, Kadir Özdemir
Produktionsleitung: ehrliche arbeit – freies Kulturbüro
Technische Produktion: Gefährliche Arbeit

Eine Produktion von Simone Dede Ayivi und Kompliz*innen in Koproduktion mit Sophiensæle, Berlin. Gefördert durch die Basisförderung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und durch Mittel des Hauptstadtkulturfonds.

Simone Dede Ayivis Performances erörtern Fragen von Repräsentation, Widerstand und
Community. Ihre Arbeiten sind biografisch motivierte, meist interviewbasierte Rechercheprojekte. Mit ihren Kompliz*innen entwickelte sie Performances unter anderem in Kooperation mit den Sophiensaelen Berlin, dem Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt sowie dem Festival Theaterformen. Als Regisseurin war sie beispielsweise am Schauspielhaus Graz und dem Theater Oberhausen tätig. 2022 erhielt sie eine der Tabori-Auszeichnungen des Fonds Darstellende Künste. Ayivi studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis in Hildesheim. Sie ist eine der Autor*innen von „eure Heimat ist unser Albtraum“ und hat in verschiedenen Sammelbänden veröffentlicht. Sie schreibt weiterhin für ZEIT ONLINE, den Tagesspiegel, das Missy Magazine und die taz.

Selma Böhmelmann studiert(e) Kultur-, Theater- und Politikwissenschaften in Lüneburg, Berlin und Potsdam. Sie absolvierte Assistenzen u. a. bei der Schaubühne Berlin, der Volksbühne oder dem Theater Oberhausen. In 2021 war sie Festivalstipendiatin des Westwind Theaterfestivals. Seit 2020 unterstützt Selma Böhmelmann Simone Dede Ayivi als Produktionsassistentin und dramaturgische Mitarbeiterin. Sie ist außerdem als Dramaturgin bei der audiovisuellen Onlineinstallation esmalbesserhabenin.de tätig.

Frieder Miller realisierte seit dem Ende ihres Studiums zusammen mit ihrem Theaterkollektiv manufaktor verschiedene freie Theaterarbeiten. In der freien Szene kollaborierte sie unter anderem mit Swoosh Lieu, Tucké Royale und armada of arts. Neben ihrer Theatertätigkeit steht sie nachts des Öfteren als Light operator in den Berliner Clubs. Seit 2015 arbeitet sie auf verschiedenen Festivals, dem Holzmarkt Berlin und dem CCC beim Lichtaufbau und betreut verschiedene Theaterarbeiten lichttechnisch. Sie ist Teil des Kollektivs Berliner Ringtheater und des queer-feministischen Netzwerks gefährliche Arbeit. Sie wurde für das Fellowship-Programm der Akademie für Digitalität und Theater Dortmund 2022 ausgewählt.

Katharina Pelosi studierte am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen und arbeitet als Audiokünstlerin in den Bereichen Performance, Choreografie, Hörspiel und Installation. Sie ist Mitbegründerin des feministischen Performancekollektivs Swoosh Lieu. Von 2015 bis 2017 war Pelosi mit ihrem künstlerischen Promotionsprojekt zu „Sound als erinnerungskulturellem Medium im postkolonialen Hamburg“ Mitglied im Graduiertenkolleg Performing Citizenship. 2021 ist sie Stipendiatin an der Casa Baldi in Rom, 2022 an der Kulturakademie Tarabya in Istanbul.

Jones Seitz ist gelernte*r Mediengestalter*in Bild und Ton und hat Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen und Porto studiert. Neben eigenen künstlerischen Recherchen zu Widerstand übernimmt sie*er die technische Leitung freier Projekte wie Licht- und Videodesign, so z. B. für Simone Dede Ayivi, Helge Schmidt, Quast&Knoblich oder Swoosh Lieu. Jones ist Mitglied und Mitbegründer*in der Gruppe LUKAS UND, die am FFT Düsseldorf eigene Bühnenstücke produziert. Seit 2017 lebt und arbeitet Seitz hauptsächlich in Berlin.

Theresa Reiwer studierte Film-/Theaterwissenschaft und Bühnen-/Kostümbild in Berlin und Istanbul. Als Szenografin und Kostümbildnerin arbeitet sie in der Freien Szene und für Spielfilmproduktionen. In ihren eigenen Arbeiten entwickelt Reiwer VR-Filme oder experimentiert mit Augmented Reality. SLOW ROOMS, ihre narrative Rauminstallation mit AR-Komponente, erhielt 2019 den Mart Stam Preis und verhalf ihr außerdem zum Elsa-Neumann-Stipendium 2020/21.

Konzept, Musik, Szenografie: Daniel Dominguez Teruel
Stimme: Mona Steinwidder, Nouri
Zink: Lilli Pätzold
Barockposaune: Alexandra Mikheeva, Dalton Harris, Sabine Gassner
E-Gitarre: Homero Alonso Langbein
Fahnen: Hans Konrad, Felix Schlaich, Lisa Schlaich, Gerhard Schlaich, Betreuung: Ines Schlaich
Taube: Mia Hadžikadunić, Daniel Dominguez Teruel
Künstlerische Mitarbeit, Styling: Golo Pauleit
Dramaturgische Beratung: Adnan Softić
Probenleitung Chor: Eva Spaeth
Technische Leitung, Lichttechnik: Florian Vitez
Tontechnik: Benjamin Kurz

Eine Produktion von Daniel Dominguez Teruel in Koproduktion mit dem Festival Hauptsache Frei, Hamburg. Gefördert durch die Behörde für Kultur und Medien Hamburg, den Fonds für Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, die Rudolf Augstein Stiftung und die Wiederaufnahme- und Gastspielförderung des Dachverbands freie darstellende Künste Hamburg, im Auftrag der Freien und Hansestadt Hamburg, Behörde für Kultur und Medien. Mit freundlicher Unterstützung durch HALLO: Verein zur Förderung raumöffnender Kultur e.V.

Die Fahnenschwinger Konstanz e.V., 1990 als Teil des Fanfarenzugs Niederburg gegründet, zählen zu den renommiertesten Fahnenschwingern im europäischen Raum. Sie absolvieren Auftritte bei Staatsempfängen, Eröffnungen von Europa- und Weltmeisterschaften, mittelalterlichen Turnieren und erhielten zahlreiche Auszeichnungen bei internationalen Festivals und Wettkämpfen. Als vielfache deutsche Meister*innen und Weltmeister*innen halten sie mehrfache Weltrekorde.

Sabine Gassner, geboren 1991 in Prien am Chiemsee, studierte zunächst Theater-, Film- und Medienwissenschaft in Wien. 2012 begann sie ein Bachelor-Studium im Fach Posaune an der Hochschule für Musik Würzburg. 2014 wechselte sie zu Prof. Henning Wiegräbe an die Hochschule für Musik und darstellende Kunst in Stuttgart, wo sie von 2017 bis 2019 das Master-Studium absolvierte. Im Anschluss folgte ein Ergänzungsstudium an der Schola Cantorum Basiliensis bei Catherine Motuz. Sabine Gassner ist im In- und Ausland tätig.

Mia Hadžikadunić ist Künstlerin und Performerin aus Rijeka mit einer starken Verbindung nach Hamburg. In ihrer Heimatstadt arbeitet sie als Moderatorin beim Gemeinschaftsradio Radio Roža und als DJ und Programmgestalterin im Club Manual. 2014 begann sie ihre Theaterkarriere als Mitglied des nonverbalen Theaters Dr. Inat aus Pula, seitdem entwickelt sie sich durch verschiedene Performances und Tanzformen weiter, u. a. bei Projekten am K3 – Zentrum für Choreographie auf Kampnagel. Sie legt Wert darauf, dass die Plattformen und Programme, an denen sie auf performative Weise teilnimmt, Räume schaffen und pflegen, die wichtige politische Realitäten verhandeln.

Dalton Harris hat ein Studium in Tenor- und Bassposaune in North Carolina und New Mexico abgeschlossen. In New Mexico arbeitete er mit dem Sandia Brass Quintet. Er hat in ganz Amerika (Nord und Süd) in mehreren Orchestern, Jazzbands und Ensembles für Neue Musik sowie als Solist gespielt. Während seines Bachelor-Studiums lernte er die Barockposaune kennen. 2018 zog er nach Bremen, um bei Wim Becu an der Hochschule für Künste zu studieren, wo er sich auf Tenor- und Bass-Barockposaune spezialisierte. In Europa und Amerika hat er sowohl als Solist als auch mit den renommiertesten Ensembles für Alte Musik gespielt. 2022 freut sich Dalton Harris auf einen vollen Konzertkalender in ganz Europa, Nord- und Südamerika mit Alter Musik und dem New Mexico Contemporary Ensemble.

Alexandra Mikheeva studierte Trompete am Moskauer P. I. Tschaikowski-Konservatorium und entwickelte dort ein großes Interesse für Alte Musik, historische Instrumente und historische Aufführungspraxen. 2012 kam sie nach Bremen, um Barocktrompete bei Susan Williams an der Hochschule für Künste zu studieren. Dort nahm sie außerdem regelmäßig Unterricht in Barockposaune. Seitdem tritt Alexandra Mikheeva regelmäßig als Mitglied verschiedener renommierter Barockorchester und Alte-Musik-Ensembles wie Weser-Renaissance Bremen, Elbipolis Barockorchester und La Festa Musicale auf. Seit 2015 leitet sie das Barocktrompeten-Ensemble Sua dolce maestà, das regelmäßig bei internationalen Festivals wie Oude Muziek Utrecht, MA Festival Brügge oder Rigas Svetki zu Gast ist. Mit ihrer Kollegin Laura Dümpelmann gründete sie 2020 Das Ensemble auf lauten Renaissance Instrumenten – Hans Pfeyfferey, das im Raum Bremen und Magdeburg aktiv ist. 2021 hat sie darüber hinaus die Reihe historischer Turmmusik von Lilli Pätzold in Bremen mitgestaltet.

Nouri kommt aus einer musikalischen Familie – Musik begleitet ihn bereits sein ganzes Leben. Seine Gesangsausbildung hat er in Damaskus erhalten. Seit 2016 lebt und arbeitet Nouri in Hamburg und gibt mit verschiedenen Ensembles regelmäßig Konzerte. Nach einer Kochausbildung arbeitet er seit 2022 hauptberuflich in einem Sterne-Restaurant.

Lilli Pätzold studierte zunächst Blockflöte im künstlerischen Studiengang bei Peter Holtslag an der HfMT Hamburg. Sie war Stipendiatin bei Yehudi Menuhin Live Music Now und wurde mit dem Masefield-Konzertstipendium der Alfred Toepfer Stiftung und dem Berenberg Bank-Stipendium ausgezeichnet. Eine langjährige Zusammenarbeit mit Komponist*innen aus dem Hamburger Raum und darüber hinaus führten zu einer umfangreichen Sammlung neuer solistischer und kammermusikalischer Werke für Blockflöte und in jüngerer Zeit auch für Zink. 2018 entschloss sie sich, für das Zink-Studium zu Gebhard David nach Bremen zu gehen. Seitdem spielt sie im Europäischen Hanse-Ensemble unter der Leitung von Manfred Cordes sowie mit Elbipolis, dem Monteverdi Chor und der Akademie für Alte Musik Berlin. Ihr besonderes Interesse gilt gegenwärtig der Berufsgruppe der Stadtpfeifer im 17. Jahrhundert und früher. Im Spätsommer 2021 führte sie mit Kolleg*innen auf der Unser Lieben Frauen Kirche in Bremen eine entsprechende Turmmusik-Reihe durch.

Golo Pauleit studierte an der Weißensee Kunsthochschule Berlin (BA) und an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel (MA) Fashion Design. Seine Bachelor-Arbeit wurde 2018 mit dem Mart-Stam-Preis ausgezeichnet. Nach Abschluss des Master-Studiums in der Schweiz kehrte er zurück nach Berlin, wo er als Designer tätig ist.

Mona Steinwidder lebt und arbeitet in Hamburg als Musikerin und freischaffende Künstlerin. Sie absolvierte den Diplom-Studiengang Visuelle Kommunikation an der HfbK Hamburg mit Auszeichnung. Als Musikerin wirkt sie seit 2004 projektbezogen bei Musiktheater-Inszenierungen, Multimedia-Arbeiten und Tanzperformances mit und ist Mitbegründerin mehrerer Labels, u. a. I saw Music und STSTST. Neben ihrem Soloprojekt Mohna ist sie Teil der experimentellen Pop-Band Me Succeeds und kollaboriert seit vielen Jahren mit dem Elektro-Produzenten Christian Löffler. Seit 2017 entwickelt sie unter dem Titel „Museum of No Art“ ein multidisziplinäres, experimentelles Solo-Projekt. Mit „A Post-Female Voice“ widmet sie sich aktuell einem künstlerischen Recherche-Projekt. Sie spielte zahlreiche Konzerte und Tourneen – u. a. in den USA, Frankreich, Italien, Israel, Georgien, Polen, Tschechien, Belgien, Dänemark, der Schweiz sowie im großen Saal der Elbphilharmonie, an der Volksbühne Berlin, in der Columbiahalle Berlin und auf Kampnagel in Hamburg.

Daniel Dominguez Teruel arbeitet mit Musik, Performance und Installation. Er studierte Musikwissenschaft und Musikinformatik in Freiburg, Karlsruhe und Barcelona sowie Multimediale Komposition in Hamburg. Seit 2018 entwickelt er Musiktheater-Settings und Formate, die die deutsche Nationalhymne als akustisches Denkmal dekonstruieren. Aufführungen und Installationen u. a. ZKM, Karlsruhe, EMW, Shanghai, Destellos Foundation, Buenos Aires, HAU Hebbel am Ufer, Berlin, PHONOS, Barcelona, EMAF, Osnabrück, Kampnagel, Hamburg, Elbphilharmonie, Hamburg.

Florian Vitezverfügt mit zwölf Jahren Berufserfahrung und mehr als tausend durchgeführten Veranstaltungen über vielfältige Erfahrungen in den Bereichen Produktionsleitung und Projektmanagement. Die Bandbreite reicht hierbei von internationalen Gastproduktionen in Deutschland über diverse Projekte im Ausland, u. a. in Frankreich, England und der Schweiz. Sowohl Tourneeproduktionen, Neuproduktionen, Konzerte, Kongresse als auch Messen zählen zu seinem Aufgabenspektrum und ermöglichten ihm, an diversen Herausforderungen zu wachsen und seinen Horizont stetig zu erweitern. Auch komplexe Finanzplanungen und Abrechnungen sind im Laufe der Jahre zu einer weiteren Kernkompetenz geworden.

Konzept und Choreografie: Sergiu Matis
Choreografische Mitarbeit: Martin Hansen, Manon Parent
Performance: Sergiu Matis, Nicola Micallef, Manon Parent
Soundinstallation und Komposition: Antye Greie aka AGF
Text: Philip Ingman, Sergiu Matis, Mila Pavićević
Artenrecherche: Philip Ingman
Dramaturgie: Mila Pavićević
Sound: Martin Lutz
Produktionsleitung: 4Culture Association
Distribution: Danila – Freitag, Agentur für Performative Künste

Eine Produktion von Sergiu Matis in Koproduktion mit 4Culture Association und WASP Studios. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds sowie durch die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Kofinanziert von AFCN – The National Administration of Cultural Funds, Rumänien, dem Rumänischen Kulturinstitut und dem Europalia Arts Festival, Belgien. Mit Unterstützung des Nationalen Performance Netz (NPN), des Centre For Drama Art, Zagreb, des Art Radionica Lazareti, Dubrovnik, und des ICI-CCN Montpellier Occitanie. Tieraufnahmen mit freundlicher Genehmigung der Macaulay Library am Cornell Lab of Ornithology der Cornell University und der xeno-canto Foundation.

Antye Greie (aka AGF) ist Sängerin, Musikerin, Komponistin, Produzentin und Medienkünstlerin. Geboren und aufgewachsen ist sie in Ostdeutschland. In ihrer Arbeit erkundet sie die Verbindung von gesprochenem Wort und elektronischer Musik. Darüber hinaus arbeitet sie an Klanginstallationen, Bewegtbildern, Audio-Visualisierungen und Echtzeitvideoverarbeitung und schreibt Musik für Spielfilme, Theaterinszenierungen und Performances. 2011 hat sie den Kunstverein Hai Art auf der finnischen Insel Hailuoto gegründet, für den sie als Kuratorin und Produzentin arbeitet.

Martin Hansen arbeitet mit embodied inhabitation als Modus für Performance, oftmals in Arbeiten von u. a. Tino Sehgal, Sergiu Matis, Alexandra Pirici, Laurie Young, Ligia Lewis, Christoph Winkler, Chunky Move und Not Yet It’s Difficult. Er choreografiert Körper, Sprache und Gegenstände, um Ökonomien von Zeit und Politiken von Erinnerung zu untersuchen. Martin Hansen hat ein Studium am HZT Berlin abgeschlossen und lebt in Berlin und Melbourne. Er engagiert sich für die soziopolitische Dimension von Kunstproduktion und entwickelt Rahmen, Strukturen, Bedeutung, Kollektive und Veranstaltungen in Berlin. 2012 wurde er als „Tänzer des Jahres“ ausgezeichnet, 2013 war er Stipendiat des danceWEB bei ImPulsTanz, Wien.

Nicola Micallef wurde 1999 in Malta geboren. Im Alter von sieben Jahren begann sie, klassisches Ballett zu trainieren. 2010 entdeckte sie ihr Interesse für zeitgenössischen Tanz und setzte ihre Ausbildung in diesem Bereich fort, ab 2018 als Mitglied der ŻfinMalta – National Dance Company of Malta unter der Leitung von Paolo Mangiola. In den zwei Folgejahren war sie vollwertiges Mitglied der Company und arbeitete mit zahlreichen international renommierten Choreografen wie Roy Assaf, Jacopo Godani, Sergiu Matis, Jose Agudo und Jorge Crecis. Mittlerweile lebt Nicola in Berlin und arbeitet mit Sergiu Matis, Sebastian Matthias und der Agudo Dance Company zusammen. Tourneen führten sie durch ganz Europa und zur Expo 2020 Dubai.

Sergiu Matis, geboren 1981 in Cluj-Napoca, Rumänien, ist Choreograf. Nach einer Tanzausbildung am Liceul de Coregrafie in Cluj und an der Akademie des Tanzes in Mannheim begann er seine Karriere am Tanztheater Nürnberg. Seit 2008 lebt er in Berlin und realisiert eigene Arbeiten. 2014 schloss er den Master in Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin ab. Seine Tanzpraxis lässt sich als eine unermüdliche Archivrecherche beschreiben, die darauf abzielt, einen kritischen Blick auf das zu werfen, was zu den Akten gelegt wurde, vermeintlich Verlorenes zu retten und neu zu erfinden, was niemals dokumentiert wurde. Dieses Anhäufen von Geschichte dient ihm als Karte, von der aus ein neues Bild von Tanz entstehen kann.

Manon Parent ist Choreografie- und Klangkünstlerin und lebt in Berlin. Nach einer Ausbildung in zeitgenössischem Tanz und klassischer Violine am Pariser Konservatorium beschäftigt sie sich nun mit den Verbindungen zwischen Klang und Bewegung. Sie arbeitet als Tänzerin, Musikerin, Komponistin und Choreografin und sucht jenseits festgeschriebener Stile und Ästhetiken nach den aufrichtigsten Körpern und Stimmen. Zurzeit arbeitet sie mit Ioannis Mandafounis, Jean P’ark, Kareth Schaffer, Sébastien Laurent, Margot Dorléans, Laurent Durupt und Roni Katz.

Performance, Choreografie, Text, Lyrics: Michael Turinsky
Musik, Lyrics: Tian Rotteveelstage
Bühne, Kostüm: Jenny Schleif
Licht: Sveta Schwin
Fotografie, Video: Michael Loizenbauer
Dramaturgische Beratung: Gabrielle Cram
Produktion: Anna Gräsel

Eine Koproduktion von Michael Turinsky mit Tanzquartier Wien und HAU Hebbel am Ufer, Berlin. Mit Unterstützung der Kulturabteilung der Stadt Wien und des österreichischen Bundesministeriums für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport.

Michael Turinsky lebt und arbeitet als Choreograf, Performer und Theoretiker in Wien. Sein Interesse gilt zum einen der eingehenden Auseinandersetzung mit der spezifischen Phänomenologie des als „behindert“ markierten Körpers und zum anderen der rigorosen Auseinandersetzung mit Diskursen rund um die produktive Spannung zwischen Politik und Ästhetik.

Mit: Malarina (Deutsch), Jules Gleeson (Englisch), Veza Fernández (Englisch und Deutsch), Maria Muhar (Deutsch), Gastgeberin: Denice Bourbon (Englisch)

Der PCCC* (Politically Correct Comedy Club) wurde 2017 in Wien gegründet. Seine Heimat hat er im Programm von WUK performing arts, wo er vier Mal pro Saison den großen Saal zum Beben bringt. Inzwischen hat sich eine stets geöffnete PCCC*-Community gebildet, innerhalb derer sich auch neue Performer*innen finden, die sich bei regelmäßigen Open Mics ausprobieren können. PCCC* wird regelmäßig zu Gastspielen im deutschsprachigen Raum eingeladen.

Denice Bourbon ist eine lesbisch/queer-feministische Performancekünstlerin, Sängerin, Autorin, Moderatorin, Kuratorin und Stand-up-Comedian. Sie verwendet Humor und Unterhaltung als aktivistisches Werkzeug, um auf politische Themen aufmerksam zu machen. Seit Jahren arbeitet sie als freie Künstlerin sowohl im Theater- als auch im Filmbereich. Sie hat gemeinsam mit Künstler*innen wie Katrina Daschner, Gin Müller, Veza Fernández, Sabine Marte, Stefanie Sourial, Stefanie Sargnagel, Amina Handke, Nesterval und an Wiener Häusern wie brut, WUK, WERK X, Ateliertheater, Kosmos Theater, Spektakel u. v. m. gearbeitet. Denice Bourbon kuratierte gemeinsam mit Denise Kottlett das erste queere Performancefestival Wiens „Straight To Hell“ (2015) und ist Co-Gründerin des queeren Stand-up-Comedy-Club PCCC*. 2018 war sie Teil des Nesterval-Ensembles in der Produktion „Das Dorf“.

Veza Fernández nutzt alle Ausdrucksformen der Bühnenkunst: Tanz, Theater, Performance, Stand-up-Comedy, Konzert und Texte sind ihre performativen Mittel, um Menschen zum Weinen und Lachen zu bringen, sodass sie das Theater, den Club, die Show voller Emotionen verlassen, vollkommen verwirrt und verunsichert, ob sie fröhlich oder traurig sein sollen, lachen oder einfach weinen. Veza Fernández’ Hintergrund ist so divers wie ihre Kunst: von Punk-Musik und queerem Untergrund bis hin zu Literaturwissenschaft, experimentellem Radio und zeitgenössischem Tanz. Ihre Arbeit wird vor allem in lokalen Untergrund-Venues, aber auch in internationalen Theatern und Museen gezeigt. Besonders beliebt sind ihre Schrei-Workshops. Ihre liebste Arbeit bislang ist „Alalazo“, ein Solo, in dem sie mit allen Stimmen spielt, die Leidenschaft, Rebellion und das Herz verkörpern. Ihre Kunst dreht sich um die schrillen Äußerungen, die einfach rausmüssen, wie der Schrei, das Geschwafel, das Lachen, das Stöhnen usw. Veza Fernández war Autodidaktin, bis sie an der DAS Graduate School in Amsterdam studierte, wo sie einen Master in Choreografie abschloss. http://vezafernandez.com/

Jules Gleeson ist eine Comedian aus London, die sich mit esoterischen und vulgären Themen beschäftigt – vom One-Night-Stand bis zum Satanismus, von Stereotypen bis zum Kommunismus. Ihr Debüt hatte sie 2018 bei der Eröffnungsgala der Wienwoche, wo sie mit dem Act „The Hundred Horny Heterosexuals of Hornet“ auftrat. Seitdem performt sie regelmäßig beim PCCC* (u. a. bei Vienna Pride, MotzART Festival Kabarett, Salzburg, und Volksstimmefest, Wien).

Malarina wurde in Picka Materina ohne Autobahnanschluss, Serbien, geboren. Ihre Eltern sind als Gastarbeiter*innen nach Österreich gekommen. Ihr Aufenthalt sollte zeitlich begrenzt sein, bis sich die serbische Wirtschaft erholte. Als die Eltern diese Hoffnung schließlich aufgaben, holten sie ihre Kinder nach und erzogen diese im schönen Innsbruck. 2011 flüchtete Malarina schließlich in die Hauptstadt der Misanthropie, Wien, um die Tiroler Erwartungshaltung in Sachen Freundlichkeit nicht weiter zu enttäuschen. Seit 2019 versucht Malarina, durch das Kabarett zur Völkerverständigung zwischen Schwabos, Tschuschen und Elite-Tschuschen beizutragen.

Maria Muhar, geboren 1986 in Wien, Lehrausbildung zur Köchin, danach Studium an der Akademie der bildenden Künste und am Institut für Sprachkunst. Sie schreibt Prosa, Lyrik und unterschiedliche Bühnentexte. Mit dem Autorinnenkollektiv Wiener Grippe/KW77 entstand zuletzt das Theaterstück „Tuntschi. Eine Häutung“, das 2021 an den Bühnen Bern uraufgeführt wurde. 2022 hat Maria Muhars erstes Kabarettprogramm „Storno“ Premiere.

Regie, Stimme: Lawrence Abu Hamdan
Live Sound-Design: Moe Choucair
Live-Video, Szenografie, Recherche: Nabla Yahya

Eine Koproduktion von Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt am Main, und Frankfurt LAB im Rahmen von „This Is Not Lebanon. Festival for Visual Arts, Performance, Music and Talks“, Teil des Projekts „Architecture of the Mal-tempered Environment (AT)“, entwickelt im Rahmen der „2022 Future Fields Commission in Time-Based Media“, ein gemeinsames Projekt von Philadelphia Museum of Art und Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin. Teile der Recherche wurden unterstützt durch Art Research Sound, ein Forschungsprojekt unter der Leitung von Prof. Peter Kiefer, Mainz School of Music, Gutenberg Research College, Johannes Gutenberg-Universität Mainz.

Die Aufführung wird zusätzlich per Live-Stream in Kooperation mit der Berlin Biennale gezeigt.

Lawrence Abu Hamdan untersucht in seinen Arbeiten die Schnittstelle von Sound und politischen Phänomenen. Seine akustischen Investigationen, die er allein und gemeinsam mit anderen Mitgliedern der Forschungsgruppe Forensic Architecture unternahm, wurden u. a. als Beweismittel in britischen Asyl- und Migrationsverfahren genutzt. Er schloss 2017 einen PhD am Centre for Research Architecture des Goldsmiths College ab und war Fellow am Gray Center for Arts and Inquiry der University of Chicago und am Vera List Center for Art and Politics an der New School in New York. Lawrence Abu Hamdan präsentierte Werke u. a. bei der 58. Biennale di Venezia, in der Tate Modern, London, und im MoMA, New York. 2019 schloss er sich mit den anderen für den Turner Prize nominierten Künstler*innen Helen Cammock, Oscar Murillo und Tai Shani temporär zu einem Kollektiv zusammen, um den Preis gemeinsam zu erhalten.

Konzept, Text, Regie: Helgard Haug
Komposition: Barbara Morgenstern
Orchester: Zafraan Ensemble
Hands: Johannes Benecke, Mia Rainprechter
Sprecherinnen: Emma Becker, Evi Filippou, Margot Gödrös, Ruth Reinecke, Mia Rainprechter, Louise Stölting
Bühne: Evi Bauer
Video-/Licht-Design: Marc Jungreithmeier
Sound-Design: Peter Breitenbach
Dirigat: Premil Petrović
Arrangement: Davor Branimir Vincze
Dramaturgie: Juliane Männel
Outside Eye: Aljoscha Begrich
Technische Leitung: Andreas Mihan
Recherche, Regieassistenz: Lisa Homburger
Kostüme und Assistenz Bühnenbild: Christine Ruynat
Assistenz Sound-Design: Rozenn Lièvre
Produktionsleitung: Louise Stölting
Zafraan Ensemble Musiker*innen Bühne: Matthias Badczong (Klarinette), Evi Filippou (Schlagzeug), Josa Gerhard (Violine), Martin Posegga (Saxophon), Beltane Ruiz (Kontrabass)

Eine Produktion von Rimini Apparat in Koproduktion mit PACT Zollverein, Essen, HAU Hebbel am Ufer, Berlin, Volkstheater Wien, The Factory Manchester und Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt am Main. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds sowie durch die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

Helgard Haug ist Autorin und Regisseurin. Sie hatte schon einen Studienplatz für Meeresbiologie, entschied sich dann aber doch, Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen zu studieren. 2002 gründete sie gemeinsam mit Stefan Kaegi und Daniel Wetzel das Theater-Label Rimini Protokoll. Ihre Bühnenstücke, Interventionen, szenischen Installationen und Hörspiele entwickeln Rimini Protokoll oft mit Expert*innen, die ihr Wissen und Können jenseits des Theaters erprobt haben. Außerdem übersetzen sie gerne Räume oder soziale Ordnungen in theatrale Formate. Viele ihrer Arbeiten zeichnen sich durch Interaktivität und einen spielerischen Umgang mit Technik aus. Fünf ihrer Inszenierungen wurden zum Berliner Theatertreffen eingeladen, zuletzt ALL RIGHT. GOOD NIGHT. Als Helgard Haug 2007 gemeinsam mit Daniel Wetzel für „Karl Marx: Das Kapital. Erster Band“ mit dem Mülheimer Dramatiker-Preis ausgezeichnet wurde, löste dies eine weitreichende Debatte über neue Autor*innenschaften und postdramatisches Theater aus. Auch für ihre Hörspielarbeiten wurde Helgard Haug mehrfach ausgezeichnet, u. a. mit dem Hörspielpreis der ARD und dem Hörspielpreis der Kriegsblinden.

Barbara Morgenstern ist elektronische Musikerin, Komponistin, Produzentin und Chorleiterin. Seit 1998 veröffentlicht sie ihre Musik, zunächst beim Berliner Label Monika Enterprise, seit 2018 bei Staatsakt. Seit 2007 leitet sie am Haus der Kulturen der Welt Berlin den Chor der Kulturen der Welt, für den sie komponiert, arrangiert und das Programm gestaltet. Seit 2012 arbeitet sie kontinuierlich mit Rimini Protokoll.

Zafraan steht für Musik, die das heutige Leben, die heutige Gesellschaft, die heutige Realität in all ihren Facetten reflektiert. Im Zusammenspiel mit anderen Kunstformen beobachtet, erforscht und verarbeitet Zafraan das, was uns umgibt: die Menschen, das Geschehen, die Natur, die Technologien, die Normalitäten und die Absurditäten von heute. Die aus zehn festen Mitgliedern aus Spanien, Frankreich, Neuseeland, Australien und Deutschland bestehende Gruppe formierte sich 2009 in Berlin und spielt hauptsächlich aktuelles Repertoire, das von der Kernbesetzung mit Violine, Viola, Cello, Bass, Flöte, Klarinette, Saxophon, Harfe, Klavier und Perkussion abgedeckt wird.

Female Pimps: Charlotte Pfeifer, Eidglas Xavier, Sibylle Peters
One-on-one-Performer: Ansuman Biswas, Findus, Michael von Schönberg, Valerian Süß, Viktor Teimann
Assistenz: Conny May
Bühnenbild: Matthias Anton
Fotos: Margaux Weiß
Grafik: David Caines
Styling: Katharina Duve
Produktion: ehrliche arbeit – freies Kulturbüro

Eine Koproduktion mit Kampnagel, Hamburg. Gefördert aus Mitteln des Elbkulturfonds der Freien und Hansestadt Hamburg und vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. Mit Unterstützung von Fuck Yeah Sexshopkollektiv, Hamburg, und Live Art Development Agency, London.

Sibylle Peters ist Künstlerin und Forscherin. Sie studierte Literatur- und Kulturwissenschaften sowie Philosophie und lehrte an Universitäten in Hamburg, Berlin, Bale, Wales und Gießen. Peters realisiert Performancevorträge und Live-Art-Projekte mit den Schwerpunkten Partizipation und kollektive Forschung, oft in Zusammenarbeit mit der geheimagentur. Das transgenerationale Performancelabor Fundus Theater / Theatre of Research in Hamburg, dessen Leiterin sie ist und in dem Kinder, Künstler*innen und Wissenschaftler*innen als Forschende aufeinandertreffen, wurde zudem von ihr mitbegründet. Darüber hinaus ist sie Mitbegründerin und Leiterin des Doktoranden-Programms Performing Citizenship in Hamburg und war Gastprofessorin für transdisziplinäre Gestaltung an der Folkwang Universität der Künste.

Text, Regie: Satoko Ichihara
Dramaturgie: Tine Milz
Bühne, Kostüm: Stefan Britze
Videokunst, Avatare: Juan Ferrari
Mit: Yan Balistoy, Brandy Butler, Sascha Ö. Soydan, Kyōko Takenaka
Englische Übersetzung: Aya Ogawa
Dolmetscherin: Kanoko Tamura
Regieassistenz: Sarah Calörtscher
Ausstattungsassistenz: Umaj Barth
Videohospitanz, Animationen: Sara Bissen
Produktionsleitung: Stéphane Noël (Materialise)

In Auftrag gegeben von Theater Neumarkt, Zürich, und Makiko Yamazato für die Q Theatre Company, Tokio. Eine Koproduktion von Q Theatre Company, Tokio, Zürcher Theater Spektakel und Theater Neumarkt, Zürich. Mit Unterstützung des Kinosaki International Arts Center, Toyooka, und des Arts Council Tokyo.

Yan Balistoy wurde am Todestag Kurt Cobains auf einer Vulkaninsel im Pazifik geboren, wuchs in der Nähe der Wüste auf und lebt nun zufälligerweise in einer Stadt nahe den Alpen. Seine Augen sind braun, leicht grün. Während seiner Schulzeit spielte er mehrere Instrumente und war in einigen Chören aktiv. Als er Abitur machte, standen die Philippinen auf Platz drei der Gefahrenskala von Naturkatastrophen weltweit. Nach einem abgebrochenen Psychologiestudium studierte er Schauspiel an der Zürcher Hochschule der Künste und verbrachte sein Studiojahr am Theater Oberhausen. Sein Sternzeichen gilt als besonders kompatibel mit Löwen, Wassermännern, Zwillingen und Schützen. Seit seinem Austausch an der Escola de Teatro in São Paulo interessiert er sich für multikulturelle Aspekte des Theaters und die Verhandlung von Geschlechterrollen auf der Bühne. Yan Balistoy zeichnet sich durch sein musikalisches und tänzerisches Potenzial aus, rhythm is a dancer. Er spielt mehrere Instrumente und komponiert eigene Lieder. 2020 veröffentlichte er sein Debütalbum „Wólang Wólang“. Seit der Spielzeit 2021/22 ist er Ensemblemitglied am Theater Neumarkt.

Brandy Butler wurde in dem Jahr, als in Genf die erste Weltklimakonferenz über die Bühne ging und Sony den ersten Walkman auf den Markt warf, in Reading, Pennsylvania, geboren und reihte sich damit nach John Updike, Keith Haring und Taylor Swift in die lange Liste der Töchter und Söhne der „Pretzel City” ein. In einer musical-, soul- und jazzverliebten Familie groß geworden, entdeckte sie schnell ihre Liebe zur Musik. 1997 zog sie nach Philadelphia, um an der University of the Arts Jazz-Musik zu studieren. Nach ihrem Bachelor 2001 begann sie, Musikunterricht zu geben. 2003, als der dritte Golfkrieg und die erste SARS-Pandemie ausbrachen, entschied sich Brandy spontan für einen Break und ging als Au-pair in die Schweiz. Mittlerweile wohnt sie mit ihrer Tochter in Zürich und agiert als Soul-Sängerin, Performerin und Aktivistin. Sie arbeitet mit Musiker*innen wie Sophie Hunger, Erika Stucky, Sina und Steff la Cheffe zusammen. 2010 schloss sie an der Zürcher Hochschule der Künste den MA Musik-Pädagogik ab, zwei Jahre später nahm sie an der Castingshow „The Voice of Switzerland“ teil, wodurch sie in der Schweiz einer breiten Öffentlichkeit bekannt geworden ist. Am Zürcher Schauspielhaus und an den Münchner Kammerspielen wirkte sie in Theaterproduktionen in der Regie von Christopher Rüping mit. Seit 2019 zeigt sie mit „Drag Story Time“ Kindern die Freiheitsräume der Identität und mit „Free Thinkers Academy“ jene des Denkens auf.

Juan Ferrari, geboren 1989 in Montevideo, Uruguay, ist Künstler, Designer, Programmierer und Szenograf. Er begann seine Karriere in den Bereichen Technik und Audiovisuelles, seit 2013 arbeitet er mit künstlicher Intelligenz. Er studierte Kunst und Design an der HGK in der Schweiz, seine Arbeiten wurden bereits in Kassel während der documenta sowie in Italien, Brasilien, Uruguay, Frankreich, Großbritannien, den USA und Hongkong gezeigt. Weit entfernt von einer manichäischen Vision der Technologie legt er den Schwerpunkt auf die Bedeutung, die die menschliche Subjektivität den digitalen Technologien verleiht, und auf die Beziehung, die sie zwischen ihnen schafft. In einer Gesellschaft, in der die technologische Entwicklung immer schneller voranschreitet, lädt uns sein Werk dazu ein, über unsere Wahrnehmung des Selbst und des Anderen nachzudenken. Als Künstler der Verschiebung und der Transdisziplinarität konstruiert er seine Identität aus der Bewegung. Deterritorialisierung ist die treibende Kraft seiner künstlerischen Praxis und seiner Identität, die seine Arbeit und seine persönliche Geschichte eng miteinander verknüpft. Von innen nach außen, in einem sich ständig bewegenden Fluss der Transformation.

Satoko Ichihara ist Dramatikerin, Regisseurin und Romanautorin. Aufgewachsen in Fukuoka, Japan, studierte sie Theater an der J. F. Oberlin University in Tokio. Seit 2011 leitet sie die Theatergruppe Q. Sie schreibt und inszeniert Stücke, die sich mit menschlichem Verhalten, der Physiologie des Körpers und dem Unbehagen, das diese Themen umgibt, beschäftigen, wobei sie ihren einzigartigen Sinn für Sprache und körperliche Sensibilität einsetzt. 2011 erhielt sie für das Stück „Insects“ den Aichi Arts Foundation Drama Award. 2017 wurde sie für „Favonias Fruitless Fable“ als Finalistin des 61. Kishida Kunio Playwriting Prize nominiert. 2019 veröffentlichte sie ihren ersten Erzählband „Mamito no tenshi“ (Mamito’s Angel). „The Bacchae – Holsteinische Milchkühe“, das auf einer griechischen Tragödie basiert, wurde bei der Aichi Triennale 2019 uraufgeführt. Sie ist Junior Fellow der Saison Foundation.

Tine Milz, geboren 1989, studierte Politikwissenschaften, VWL und Literaturwissenschaften an der Ludwig-Maximilians-Universität München, mit Auslandsaufenthalten in Paris und Venedig. Von 2015 bis 2018 studierte sie Dramaturgie, seit 2017 Fine Arts an der Zürcher Hochschule der Künste. Sie war Mitglied im Kunst- und Performancekollektiv KAPITÆL ZWEI KOLEKTIF, das u. a. von Ersan Mondtag mitbegründet wurde. Während des Zürcher Theaterspektakels 2016 war sie Stipendiatin für das Programm „watch & talk“. Sie arbeitete als Produktionsdramaturgin am Schauspiel Frankfurt und an den Münchner Kammerspielen, war Teil der Jury des Festivals Politik im Freien Theater und ist Mitglied des Advisory Board von Therese Willstedts Theater in Växjö. Sie organisiert und konzipiert Lesungen und Performances und wirkt als Performerin in verschiedenen Projekten mit.

Akiko Okamoto lebt seit 1996 in Deutschland. Ihr Studium an der Ruhr Universität Bochum mit dem Hauptfach Film- und Fernsehwissenschaft und den Nebenfächern Kunstgeschichte und Sinologie schloss sie im Jahr 2007 ab. Zusätzlich schloss sie 2022 den Universitätslehrgang „Kuratieren in den szenischen Künsten“ an der Paris Lodron Universität Salzburg ab. Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf und ist freiberufliche Kuratorin. 2013 initiierte sie die Programmreihe „Nippon Performance Nights“, die seitdem kontinuierlich am FFT Düsseldorf stattfindet. Dazu bringt Akiko Okamoto aktuelle Arbeiten aus Japan und von in Europa und Deutschland lebenden japanischen Künstler*innen nach Düsseldorf. Ihr programmatischer Fokus liegt auf experimenteller performativer Kunst.

Sascha Ö. Soydan ist eine deutsch-türkische Schauspielerin. Sie studierte an der Universität der Künste in Berlin. Ihr Filmdebüt gab sie 1995 unter der Regie von Herwig Kipping in „Novalis – Die blaue Blume“. Seitdem tritt sie regelmäßig in Fernsehformaten wie „Tatort“, „Der letzte Bulle“, „Schloss Einstein“ oder „Alarm für Cobra 11 – Die Autobahnpolizei“ auf. Bekannt wurde sie auch durch Filme wie „Kebab mit Alles“ (2011) und „Kebab extra scharf!“ (2016). Sascha Özlem Soydan agiert auch im Bereich Theater und spielte u. a. in Produktionen am Schauspiel Frankfurt, am Staatsschauspiel Dresden und am Heimathafen Neukölln, wo sie eigene Arbeiten entwickelte. Aufmerksamkeit erregte sie 2012 mit der Lesung „Breiviks Erklärung“ in der Regie von Milo Rau. Neben ihrer schauspielerischen Tätigkeit für Film, Fernsehen und Theater lehrt sie an der Zürcher Hochschule der Künste in den Bereichen Oper und Theater. Seit der Spielzeit 2019/20 ist sie festes Ensemblemitglied am Theater Neumarkt.

Kyōko Takenaka wurde 1987 geboren. 2011 schloss sie ihr Studium an der J. F. Oberlin University in Tokio, Abteilung für darstellende und visuelle Künste, ab. Sie setzte ihre Ausbildung in Frankreich fort und besuchte 2013 die École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier, wo sie von Gildas Milin, Cyril Teste, Julie Deliquet, Robert Cantarella und Alain Françon unterrichtet wurde. Nach ihrem Abschluss begann sie mit dem Regisseur Guillaume Vincent zu arbeiten: „Songes et Métamorphose“, „LOVE ME TENDER“ und „Les mille et une nuits“ wurden vor allem im Odéon-Théâtre de l’Europe in Paris aufgeführt. 2017/18 spielte sie das Solo „The question of Faeries“ von Satoko Ichihara. 2018 trat sie im offiziellen Programm des 72. Festival d’Avignon mit „Some of them had never seen the sea“, bearbeitet von Richard Brunel, auf. 2020 nahm sie an einem Projekt in Kanada teil, „Violence“ von Marie Brassard. Zudem ist sie Inhaberin eines staatlichen Diploms für Theaterpädagogik. Sie hält an einigen Universitäten in Japan Vorträge über das Theater in Frankreich, insbesondere über die Professionalisierung der*des Schauspieler*in.